Книга: Музей Прадо

Живопись Италии

Живопись Италии

Анджелико Фра Беато — итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, доминиканский монах, чье искусство проникнуто глубокой и искренней религиозностью. Для творчества Беато характерны простота и ясность композиционных и цветовых решений, его произведения лишены субъективности, присутствующей в трактовке религиозных сюжетов у ряда крупных живописцев. В их основе лежат дисциплина и душевное смирение, выработанные монастырской жизнью. В сияющих красках, радостном лицезрении мира ощутимы милосердие и чистая вера в непреходящий идеал святого искусства.

«Благовещение» было написано для алтаря женского монастыря Сан Доменико во Фьезоле. Композиция делится на три части, две из них объединены сюжетом Благовещения. Справа изображена сидящая Дева Мария, перед ней склонился архангел. Их фигуры помещены в единое пространство двойного арочного портика и, по традиции, разделены колонной. В глубине виден вход в комнату Марии, в медальоне над центральной колонной изображен Бог-Отец. Божественный луч, пронизывающий всю сцену, символизирует великое предназначение Девы Марии.

В левой части композиции изображен Эдем: архангел Михаил изгоняет из рая Адама и Еву. В глубине видно Древо познания. Райский сад, одна из ипостасей Богоматери, символизирует ее непорочность («hortus randusus» — «запертый сад»). Соединение ветхо- и новозаветного эпизодов имеет глубокое богословское обоснование: вдали изображены последствия грехопадения, в то время как на первом плане — зачатие Иисуса, чья смерть послужит искуплением. Мария трактуется как «новая Ева», свободная от недостатков.

Перед нами смысловая вереница атрибутов и символов, все приметы эпохи тонко и изысканно обыграны красками. Выписаны листья и лепестки в райском саду, растительный архитектурный орнамент, складки одежд персонажей.

Ниже основного поля алтарного образа расположены пять сцен из жизни Марии.

Представитель падуанской школы живописи, Мантенья писал в жесткой и резкой манере, нетипичной для классиков итальянского Ренессанса.

Дева Мария покоится на ложе, покрытом ярко-красным бархатом, на фоне мирного пейзажа, открывающегося за высоким окном в стене. Апостолы курят фимиам и поют погребальные песнопения. Их только одиннадцать, поскольку отсутствует святой Фома, по одному из апокрифов не успевший к погребению. Иконографический канон соблюден лишь формально. Нимбы — символы сияния святости — изображены прикрепленными к головам дисками, которые при движениях тел поворачиваются. Это пластическое решение в изображении почти застывших фигур апостолов и лаконичная перспектива являются доказательством тщательного изучения художником законов геометрии. Благодаря в том числе и глубокому пониманию античной скульптуры Мантенья стал радикальным новатором живописи.

Сандро Боттичелли — один из самых эмоциональных мастеров эпохи Возрождения. Полотна художника пронизаны волнующим трепетом личного переживания. Широкую известность он получил как автор больших мифологических полотен «Весна» и «Рождение Венеры», полных очарования и одухотворенности.

Серия «Декамерон», состоящая из четырех работ (три из них находятся в Прадо), была создана живописцем по случаю бракосочетания Джанноццо Пуччи с Лукрецией Бини в 1483 и рассказывает о Натаджио дельи Онести. Возможно, что она выполнена по заказу Лоренцо Медичи Великолепного, который являлся родственником обоих семейств. Во всяком случае именно его герб можно видеть в центре третьего эпизода, являющегося фактически кульминацией всего повествования. Сюжет для этих эпизодов был заимствован живописцем из произведения «Декамерон» Боккаччо, в котором и рассказывается история Настаджио. В работе над этой серией Боттичелли помогали его ученики.

Антонелло да Мессина — видный представитель южной итальянской школы эпохи раннего Возрождения. Живописцу свойственны высокая техническая виртуозность, тщательная проработка мельчайших деталей, внимание к глубине фона и монументализму форм.

На картине «Мертвый Христос, поддерживаемый ангелом» на озаренном светлом фоне, где с трудом различается родной город мастера Мессина, отчетливо вырисовываются фигуры Христа и ангела. Ангел плачет, но как бы внутри, про себя. Только его глаза потемнели, покраснел и веки, искривилось личико, и он не смог сдержать две почти невидимые слезы, оставившие влажные следы. Христос мертв; светлое небо лишь подчеркивает скорбь держащего его ангела. Иконография и эмоциональная трактовка темы связаны с творчеством Джованни Беллини.

Величайший мастер Высокого Возрождения, представитель венецианской школы, Джорджоне своей зрелой, основанной на чутком взаимодействии цвета и света манерой положил в Италии начало новой технике — масляной живописи. Она позволяла точно передавать нюансы светотени, очертания фигур и предметов.

Джорджоне одним из первых среди итальянских художников стал отводить важное место натуралистичному пейзажу в картинах мифологической, исторической и даже религиозной тематики. Персонажи этого поражающего своим особым настроением удивительного алтарного образа изображены так, что создается впечатление, будто они представлены не в интерьере собора, а на лоне природы. Тонкая поэтичность полотна создается зрительным слиянием человеческих фигур с пейзажем, достигнутым с помощью света.

Антонио Аллегри, живописец периода Высокого Возрождения, получил свое прозвище по месту рождения и творчества в итальянском городе Корреджо.

Мастером точно передана трепещущая атмосфера момента узнавания Христа: Мария Магдалина тянется к Иисусу, стоя перед ним на коленях. Жест Христа иллюстрирует Его слова: «Не прикасайся ко Мне» («Noli me tangere» — лат.), Он мягко отстраняет женщину. Драматизм, усиленный холодной цветовой гаммой, читается в перекрещивающихся взглядах персонажей.

Влияние Леонардо да Винчи и Рафаэля проявилось в полотне погруженностью фигур в растительный фон и диагональным построением композиции. В свою очередь в пейзаже живописец достиг необычайно натуралистичного изображения. Зритель будто ощущает живительную прохладу утра, сочную густоту зеленеющей рощи, ласковое тепло осветившей небо зари.

Искусно владевший рисунком, умевший передавать сложные ракурсы, световые акценты, направления движения итальянский живописец венецианской школы Тинторетто новаторством и художественной смелостью сумел опередить своих современников.

В полотне «Крещение Христа» мастер отошел от канонов иконописи. Картина написана будто с натуры. Иисус стоит по щиколотки в водах реки Иордан и смиренно склонил голову перед Иоанном Крестителем. Тот, находясь на берегу, льет воду на голову Иисуса. В этом действии заключается отличие крещения обливанием от крещения посредством погружения в воду. В руке у Иоанна плоская чашка, в то время как на картинах северных мастеров у Крестителя сложены кисти рук. В небе над головами героев парит Голубь Святого Духа.

Представитель венецианской школы, величайший итальянский живописец эпохи Возрождения, Тициан стоит в одном ряду с такими художниками, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Мастер писал картины на библейские и мифологические сюжеты, был выдающимся портретистом.

В эпоху Возрождения миф о Данае выступал в искусстве как форма художественного обобщения. Тициан неоднократно обращался к этому образу, написал несколько вариантов «Данаи», один по заказу короля Испании.

У аргосского царя Акрисия была красавица-дочь Даная. Дельфийский оракул предсказал царю, что внук лишит его престола. Акрисий заключил дочь в медную башню, куда никто из смертных не мог проникнуть. Но Зевс, пленившись, проник к ней золотым дождем. После родился будущий герой — Персей.

Встреча Данаи и Зевса происходит на фоне заката, мягкие красочные тона как бы растворяются друг в друге. Фигура обнаженной женщины подобна скульптурам Микеланджело «Аврора» и «Ночь» из капеллы Медичи, но колорит картины остается истинно тициановским: краски словно мерцают от пронизывающего света, подчеркивая накал чувств героев.

«Даная» представила художнику возможность создать женский образ, не просто залитый светом, а будто состоящий из него. Сотканная из золотых лучей фигура стала открытием в живописи. Тонкий и плавный переход от светописи к тени, отказ от разделяющих линий положили начало новому творческому периоду 1550-х. «Даная» превратила Тициана из талантливого живописца в гения своей эпохи.

Художественную манеру Веронезе отличают тонкость рисунка, пластичность формы, сложность сочетаний цветов на светоносном фоне. Творчество этого виднейшего живописца венецианской школы подводит итог искусству эпохи Позднего Возрождения.

Адонис, возлюбленный богини любви Венеры, был сыном царя Кипра. Своей красотой он затмевал даже богов-олимпийцев. Когда Адонис погиб на охоте, Зевс пожалел убитую горем Венеру и повелел Аиду на время отпустить красавца из царства умерших. С тех пор Адонис вынужден был вести двойную жизнь.

Влюбленные герои представляют собой смысловой центр картины, а собаки, одна из которых дремлет у ног богини, и играющий с другой Амур наполняют изображение умиротворением. Полотно выполнено в теплой гамме. Густые цвета вечернего неба, зелени листвы и яркое красное одеяние Адониса контрастируют с кремовой белизной обнаженного тела Венеры. В мощном звучании насыщенных красок раскрывается зрелый талант живописца.

Караваджо — один из крупнейших мастеров барокко, ставший реформатором европейской живописи XVII века. Ранние работы художника не сохранились, он оставил их в мастерской и бежал из Милана после драки, окончившейся смертью одного из ее участников.

Имена знаменитых древних героев увековечены в библейском рассказе о единоборстве Голиафа с Давидом. Филистимлянский исполин родом из Гефа, Голиаф принадлежал к древнему племени рефаимов. Во время войны с израильтянами он наводил ужас на войско царя Саула. Только у будущего иудейского царя Давида, случайно явившегося в стан иудеев, хватило мужества сразиться с таким страшным врагом. Он поразил его камнем из своей пастушеской пращи.

Эту картину заказал у Караваджо сам кардинал Сципионе Боргезе.

Художественное мастерство Бароччи унаследовал от своих отца — скульптора, дяди — архитектора и прадеда — известного миланского ваятеля. Бароччи сформировался в римском кругу последователей Рафаэля, является живописцем эпохи позднего маньеризма.

«Рождество Христово» стоит в ряду замечательных полотен Бароччи на религиозный сюжет. Мастер придает церковной живописи непосредственность эмоционального воздействия, сочетая настроение религиозного экстаза с интимной лиричностью. На заднем плане полотна святой Иосиф отворяет дверь пастухам, но эта деталь лишь подчеркивает близость Богоматери и младенца к зрителю. Образ Марии миловидный и грациозный, ее лицо, окутанное своеобразной дымкой светотени, представляется кукольным. Подушка и яркое покрывало, розовые и шафранные одежды Богородицы сверкают в свете, идущем не извне, а от младенца Христа. Эффектной холодной цветовой гаммой и светотеневыми контрастами мастер демонстрирует свой неповторимый стиль, предвосхитив протобарочные тенденции.

Итальянский живописец Гвидо Рени является приверженцем болонской школы, известен также как гравер.

Одной из самых популярных тем эпохи Возрождения среди живописцев являлось мученичество святого Себастьяна. Это связано, прежде всего, с возможностью изображения обнаженной мужской натуры (не без некоторого эротического обертона). В своей картине «Святой Себастьян» Рени изобразил героя, тело которого пронзили стрелы. Себастьян мучительно изогнулся от боли и устремил свой взгляд в небо. Игра светотени, мастерски используемая художником, придает телу святого более выраженные объемы и фактуру.

Итальянский художник Франческо Фурини родился во Флоренции, служил священником в приходе Сант-Ансано ин Муджелло. Здесь он начал писать картины на мифологические и религиозные сюжеты. В произведениях живописца преобладают женские обнаженные фигуры, им свойственен рафинированный, полный эротики идеализм.

В основе сюжета картины Фурини «Лот и его дочери» — миф о порочной связи Лота с дочерьми. По легенде, дочери Лота, оставшиеся без мужей, решили родить потомков от своего отца, напоив его. Сначала в связь вступила старшая дочь, на следующий день — младшая.

В созданных крупнейшим художником венецианской школы многочисленных фресковых циклах видны новизна мировоззрения и размах художественных начинаний, рожденные веком Просвещения. Тьеполо был замечательным декоратором, расписывал церкви и салоны вилл, залы общественных зданий, создавал алтарные образы. Мастер фресок и гравюр обращался к традиции венецианской культуры XVI столетия.

На картине «Непорочное зачатие» Богородица, под чьими ногами изображен земной шар, парит в небе. Ее окружают ангелы, белый голубь, являющий собой символ Святого Духа, раскрыл свои крылья над головой Девы. Превосходство Богоматери над земным злом олицетворяет пальмовое дерево, которое лежит на переднем плане. Мария попирает ногами змея с яблоком в пасти, символизирующего первородный грех. Постулат о том, что Богоматерь — зеркало всех добродетелей, подтверждает изображенное на полотне зеркало.

Оглавление книги